Portugal de Cyril Pedrosa

Pedrosa © Dupuis 2012

Dessinateur de BD en mal d’inspiration et en pleine crise existentielle, Simon est un trentenaire incapable de s’engager, de s’investir émotionnellement. C’est au cours d’un voyage au Portugal, le pays de ses grands-parents, que celui qui n’a plus goût à rien va peu à peu commencer à se retrouver lui-même.

Avec ce récit en partie autobiographique, Cyril Pedrosa a voulu mettre en images un choc émotionnel (la découverte du pays dont il est originaire) et les conséquences qui en ont découlées. L’exercice n’est pas aisé tant cet album traitent de sentiments difficiles à retranscrire en dessins. Comment en effet décrire le cheminement d’un homme en quête de sens, en rupture, qui n’arrive pas à entretenir des relations stables avec les gens qui l’entourent ? Comment illustrer les silences, les non-dits et la solitude ? Tout simplement en ne se posant pas trop de questions, en laissant aller son imagination et son pinceau. Le résultat est assez bluffant, ressemblant à bien des égards à un morceau de jazz qui laisse libre court à l’improvisation tout en s’appuyant sur une ligne mélodique des plus solides. Mais Portugal n’est pas qu’un album introspectif. C’est aussi une réflexion sur les liens familiaux, le rapport au père et le rapport à ses racines, la vie de couple, la carrière. Il y est aussi question d’immigration, du fait que derrière les chiffres du ministère se cachent des destins d’hommes ou de femmes. Une histoire finalement universelle dont de nombreux aspects m’ont rappelés l’excellentissime Daytripper découvert il y quelques semaines.

Quelques mots sur le dessin. Les planches ont été réalisée sur deux A3 superposées l’une au dessus de l’autre, ce qui a permis à Cyril Pedrosa de se sentir à l’aise dans chaque case. Le trait est relâché, souvent proche du crayonné. L’auteur reconnaît et assume, selon ses propres mots, des « proportions foireuses » et des « perspectives merdiques ». Au final, on retient une certaine élégance graphique, une réelle liberté de création et le besoin de s’affranchir de la tendance actuelle obligeant à faire en sorte qu’il se passe toujours quelque chose sur chaque planche. Dernière petite précision, alors que les couleurs ne sont pas ma tasse de thé, je dois reconnaître qu’elles tiennent ici un vrai rôle dans la narration.

Portugal est donc un roman graphique dense, très construit malgré son apparente nonchalance. Il installe définitivement Cyril Pedrosa dans mon panthéon personnel des auteurs contemporains incontournables auprès de Chabouté, Rabaté, Tardi, Davodeau, Lax ou encore Michel Plessix.

Un dernier mot pour féliciter l’éditeur qui a choisi de publier ce récit en un seul tome plutôt que de le découper en tranches afin, par exemple, d’en faire une trilogie. C’est une initiative devenue tellement rare qu’elle mérite d’être soulignée.



Portugal de Cyril Pedrosa. Dupuis, 2011. 260 pages. 35 euros.

Les avis de Mo', Oliv, Yvan, Natiora, Mango, Hélène, Ys

Pedrosa © Dupuis 2012

Prix des libraires 2012 - Fauve Prix de la BD Fnac 2012

Oumpah-Pah

Goscinny et Uderzo © Éd. Albert René

La première rencontre entre René Goscinny et Albert Uderzo date de 1951. Agés tout deux d’une vingtaine d’années, ils décident de créer leur première bande dessinée. Goscinny imagine un personnage de peau rouge qui serait confronté au modernisme et à la technologie du 20ème siècle. Oumpah-Pah naît donc une première fois au tout début des années 50. Six planches sont réalisées et envoyées à divers éditeurs américains en vue d’une publication dans la presse. Malheureusement, Oumpah-Pah ne soulève pas le moindre intérêt de l’autre coté de l’Atlantique. Pendant sept ans, il restera dans les cartons à dessin avant de renaître en 1958. A vrai dire, c’est un nouveau Oumpa-Pah qui voit le jour dans les pages du journal de Tintin. Transporté dans le Nouveau-Monde au XVIIIe siècle, l’indien est devenu un solide guerrier de la tribu des Shavashavah en lutte contre les occupants anglais et certaines tribus locales belliqueuses. A cette époque où les premiers colons français débarquent en Amérique, Oumpah-Pah va rencontrer celui qui va devenir son meilleur ami, Hubert de la Pâte Feuilletée, surnommé Double-Scalp à cause de sa perruque poudrée. Hubert est un aristocrate naïf et gaffeur, courageux et indéfectible chevalier du roi de France. Les deux compères vont vivre en tout cinq aventures qui les conduiront entre autres, jusqu’à la cour de Versailles.

Dès 1959, Oumpah-Pah semble connaître un certain succès. Deux disques relatant les premières histoires sont réalisés et l’un deux remporte le prestigieux « grand prix de l’académie du disque français », une importante distinction pour les livres-audio de l’époque. Dans la foulée, un court métrage animé est produit par les studios Belvision. Bref, Oumpah-Pah semble lancé sur les sentiers de la gloire. Hélas, tout s’écroule suite au fameux référendum annuel du journal de Tintin, un classement permettant aux lecteurs de plébisciter leurs séries préférées. L’annonce des résultats a l’allure d’une douche froide pour Uderzo et Goscinny puisque leur peau rouge se retrouve au 11ème rang, quasiment au niveau du courrier des lecteurs ! Piqués au vif, les deux auteurs proposent au directeur du journal d’abandonner la série. Il faut dire qu’entre temps, les deux gaillards se sont lancés à corps perdu dans l’aventure Pilote dont le premier numéro a vu le jour en octobre 1959. Devant réaliser cinq planches par semaine (une de Tanguy et Laverdure, deux d’Astérix et deux d’Oumpah-Pah), Uderzo parvient difficilement à tenir ce rythme infernal et il se dit que la fin prématurée d’Oumpah-Pah lui enlèverait une belle épine du pied. Comme de toute façon le contrat avec Le Lombard interdisait de reprendre les aventures du peau rouge dans un autre journal que Tintin, les auteurs préférèrent arrêter les frais. L’aventure Oumpah-Paph prend fin en 1962 après seulement cinq histoires et 150 planches. Un vrai gâchis !

Pourquoi j’aime autant cette série ? Parce qu’elle porte en elle les prémices d’Astérix et Obélix. Un village qui résiste aux envahisseurs, un héros à la force herculéenne, des personnages aux noms aussi drôles qu’improbables, des calembours et de l’humour beaucoup plus fin qu’il n’y paraît, ça vous dit quelque chose ? Oumpah-Pah a été en quelque sorte un laboratoire pour Astérix. Le résultat est bluffant et mérite vraiment d’être redécouvert car cette série avait tout d’une grande.

Plus grandes forces de cette série :

• Le dessin d’Uderzo. Formidable de dynamisme et de souplesse, avec certaines séquences dont le découpage frôle la perfection. Quelques planches originales en noir et blanc ont été exposé l’an dernier au salon européen de la BD de Nîmes. La maîtrise du noir et blanc d’Uderzo y est tout simplement incroyable, surtout pendant les scènes se déroulant en mer. Du très grand art !

• L’humour de Goscinny. Visionnaire, refusant de se plier aux conventions de son époque où tout devait rester très premier degré, il puise son inspiration chez les auteurs américains de la revue Mad et laisse libre-court à son imagination débordante. Résultat, entre les jeux de mots, les clins d’œil à l’actualité, le comique de répétition et les gags purement visuels, Oumpah-Pah est pour moi plus drôle que nombre d’Astérix.

• Les noms des personnages. Passe encore pour le chef de tribu Gros Bison, mais vous avouerez que le sorcier Y-Pleuh, le chasseur Y-a-plus-saison et le vieux guerrier N’a-qu’une-dent qui, après une bataille, est rebaptisé N’a-qu’une-dent-mais-elle-tombée-alors-maintenant-n’en-a-plus, il fallait les trouver !

• L’intégrale publiée en fin d’année dernière par Hachette qui regroupe l’ensemble des planches et un dossier critique dans une belle édition cartonnée pour à peine 20 euros. Une heureuse initiative qui permettra à ceux qui le souhaitent de découvrir la série à moindre frais.

Ce qui m’a le plus agacé :

• Le manque de succès d’Oumpah-Pah et la bêtise des lecteurs du journal de Tintin de la fin des années cinquante qui ont précipités sa perte. Messieurs, je ne vous félicite pas !

• Le fait que l’intégrale citée ci-dessus ne soit pas en noir et blanc. Ceux qui passent régulièrement par ici savent à quel point je préfère le noir et blanc à la couleur. Ici encore, les couleurs n’apportent rien. Au contraire, leur absence renforce la perfection du trait d’Uderzo. Mais on m’a déjà tellement répondu que d’un point de vue commercial, il n’y a que la couleur qui compte...

Goscinny et Uderzo © Éd. Albert René

Carte d’identité de la série : Auteurs : René Goscinny et Albert Uderzo Date de création : 1958 Nombre d'albums : 3 (série terminée) Éditeur : Éd. Albert René

La montagne de Jean Noël Pancrazi

Pancrazi © Gallimard 2012

Cette tragédie s’est déroulée Il y a 50 ans. Jean-Noël Pancrazi n’était qu’un enfant. La guerre d’Algérie touchait à sa fin. Les attentats se faisaient de plus en plus rares. C’était une après-midi calme de juin. A l’heure de la sieste, ses camarades étaient montés dans la camionnette de la minoterie. Lui avait préféré rester. Le frère du chauffeur habituel leur avait proposé de faire un tour dans la montagne. L’endroit leur était d’habitude interdit, trop dangereux. Ils étaient partis sans prévenir leurs parents, en secret. En fin de journée, les enfants n’étaient pas réapparus. C’est une patrouille militaire qui les a retrouvés. Les soldats ont redescendu de la montagne six petits corps égorgés. Le soir, on a entendu qui « s’élevait d’un balcon le cri d’un homme, d’un père, ce « Mon Dieu », d’abord presque doux, emporté par les larmes, puis de plus en plus concentré, dur, précis, acéré, métallique, comme s’il voulait atteindre, poignarder à son tour ce Dieu en question qui, sans rien dire, avait regardé en plein jour, des hommes tuer des enfants dans la montagne. »

Douloureux retour en enfance pour Jean-Noël Pancrazi. Sans doute le besoin d’exorciser une fois pour toutes cet abominable événement qui a marqué ses jeunes années. Seul rescapé du massacre, il en vient à culpabiliser. Dans les jours qui ont suivi, la répression militaire fut terrible dans la région. Puis, après la signature des accords d’Evian, il fallu se résigner à quitter cette terre qui l’avait vu naître. L’auteur n’élude pas les exactions et les violences. Le pied noir, à jamais déraciné ne sombre à aucun moment dans la haine. Condamné à l’exil, il décrit l’arrivée en France, le rejet auquel il est confronté dans un lycée de Perpignan. Il revient également sur le destin brisé de ses parents qui ne se remettront jamais vraiment de leur départ forcé.

Un livre court, terrible et profondément humain. Chaque phrase est d’une incroyable longueur. Les mots, uniquement séparés par des virgules ou des points virgules, semblent collés les uns autres, comme si les séparer reviendrait à les isoler et les mettre en danger. La prose reste malgré tout fluide, riche d’images et de sensations. Plus remarquable encore, le fait que Jean-Noël Pancrazi ait réussi le tour de force de laisser son texte à l’écart de toute rancœur. Tout simplement magnifique.

La montagne de Jean-Noël Pancrazi. Gallimard, 2012. 90 pages. 10,00 €.

Kingdom Hearts ou quand Disney se lance dans le manga

Shiro © Pika 2012

Sora vit paisiblement sur une île paradisiaque. Lorsque des êtres énigmatiques font irruption sur l’île pour y semer la désolation, Sora découvre son statut d’élu de la Keyblade, une clé gigantesque aux pouvoirs stupéfiants. Propulsé dans un univers parallèle, il se retrouve dans l’étrange ville de Traverse et va y rencontrer Donald et Dingo. Ces deux-là ont besoin du porteur de la Keyblade pour retrouver le roi Mickey qui a mystérieusement disparu. Commence alors un long périple au cours duquel cet improbable trio va visiter de nombreux mondes issus de l’univers Disney.

Adapté du jeu vidéo éponyme, Kingdom Hearts est une série qui s’adresse clairement aux jeunes lecteurs. Personnellement, je dois avouer que je n’ai pas accroché du tout (en même temps, je n’ai plus grand-chose à voir avec un jeune lecteur, ceci explique peut-être cela). L’intrigue m’a parue confuse en diable et le dessin très fouillis n’aide pas à suivre l’enchaînement des événements. Il faut dire aussi que je ne connais pas du tout le jeu vidéo d’origine, ce qui n’est pas fait pour aider. Quelques points positifs tout de même, notamment le sens de lecture occidental (choisi dès la 1ère publication au Japon), les chapitres très courts qui donnent beaucoup de rythme et l’action omniprésente qui ravira les amateurs de combats épiques, sans oublier le fait que la série ne comptera en tout que 4 tomes et que les deux premiers sont sortis le même jour (idéal pour les impatients).

Pour moi cependant, rien à faire, ce Kingdom Hearts m’a laissé de marbre. Voir Donald et Dingo dans un manga, j’avoue que c’est un petit choc, surtout qu’en ce moment je suis en train de lire les intégrales de Carl Barks (La dynastie Donald Duck) et Floyd Gottfredson (L’âge d’or de Mickey Mouse). Forcément, face à ses deux grands maîtres, le trait d’Amano Shiro fait pâle figure.

Tout cela pour dire que je préfère laisser ce manga au public auquel il s’adresse. Une question de génération sans doute…

Kingdom Hearts T1 d’Amano Shiro. Pika, 2012. 134 pages. 7,05 euros.

Shiro © Pika 2012

Le jour où… France info, 25 ans d’actualités

© Futuropolis 2012

En 2012, France info fête ses 25 ans. C’est l’une des seules radios que j’écoute régulièrement (avec France culture et RTL2). Dans l’atelier d’imprimerie que j’ai longtemps fréquenté, France Info tournait du matin au soir. Souvent couverte par le bruit des machines, on arrivait quand même à suivre l’actualité, même épisodiquement. Au milieu des années 90, quand j’étais à la fac, c’est sur France info que j’écoutais en direct le résultat des courses. Cette rubrique hippique a depuis disparu mais à l’époque, si on n’avait pas de minitel, il fallait attendre les journaux du lendemain pour connaître les résultats et les rapports. Bref, tout ça pour dire que j’ai grandi avec France info et que c’est une radio qui me tient à cœur.

Pour fêter les 25 ans de la station, Futuropolis réédite l’album paru en 2007, enrichi d’une cinquantaine de pages. Vingt-sept événements majeurs du dernier quart de siècle sont racontés et illustrés par les plus grands auteurs actuels : David B., Guy Delisle, Kris, Blutch, J-C Denis, Joe Sacco, Baru, Davodeau, Rabaté, j’en passe et des meilleurs. De la fatwa contre Salman Rushdie à l’élection de François Hollande en passant par la chute du mur de Berlin, le massacre de la place Tienanmen, le 11 septembre 2001 ou encore l’élection de Barack Obama, c’est une plongée au cœur de l’histoire la plus récente qui est proposée ici.

Les limites d’un tel exercice sont toujours les mêmes. D’un auteur à l’autre, le traitement du sujet, fort différent, peut séduire ou laisser de marbre. Tout est question de point de vue, chacun s’emparant des événements à sa façon sans forcément donner dans le documentaire. Ce sont d’ailleurs les histoires racontées de manière très personnelles qui m’ont le plus séduit. Ma préférée ? La finale de la coupe du monde 1998 vécue de manière très décalée par J-C Denis. J’ai aussi beaucoup aimé la tempête de décembre 1999 vue par Étienne Davodeau ou encore la canicule de 2003 selon Rabaté.

Graphiquement, c’est un régal. Difficile de faire autrement avec un album regroupant la crème des dessinateurs actuels. Vraiment idéal pour découvrir la grande diversité de la BD d’aujourd’hui.

Au final, Le jour Où… est un recueil dense et varié qui remet sous le feu des projecteurs quelques-uns des plus grands moments d’actualité de ces 25 dernières années. Aussi instructif qu’utile, notamment pour ceux qui ont une mémoire de poisson rouge…

Le jour où… France info, 25 ans d’actualités. Futuropolis, 2012. 265 pages. 25 euros.


Un grand merci à Libfly et aux éditions Futuropolis pour la découverte.

JC Denis © Futuropolis 2012

Kris et Thierry Martin © Futuropolis 2012

Modeste et Pompon

Franquin © Le Lombard 2006

Rebelote. Après vous avoir présenté l’année dernière quelques incontournables de ma bibliothèque BD, je renouvelle l’opération avec d’autres grands classiques de la bande dessinée franco-belge d’après-guerre. Pour ce qui est de la présentation, je conserve le modèle des billets précédents, toujours inspiré par ce que propose l’excellent PG Luneau sur son blog. Allez, on attaque cette saison 2012 avec Modeste et Pompon, une série trop méconnue du génialissime André Franquin.

1955. En conflit avec Dupuis pour une sombre histoire de gros sous, Franquin claque la porte de l’éditeur de Spirou et trouve refuge chez Raymond Leblanc, responsable du journal de Tintin. Pour Leblanc, l’arrivée de Franquin est une aubaine, l’occasion rêvée d’instaurer un peu d’humour dans une publication jusqu’alors exclusivement dédiée aux séries d’aventure. En guise de préambule, le dessinateur ne reçoit que de vagues recommandations : pas de vulgarité et pas de gamins des rues, ce créneau étant déjà occupé par les Quick et Flupke d’Hergé. Après quelques jours de réflexion, Franquin apporte ses premières planches. Elles mettent en scène un couple non marié dont les relations sont uniquement basées sur l’amitié. Une petite révolution pour l’époque, de telles représentations sociales n’ayant jamais été mises en scène dans la bande dessinée européenne. Modeste et Pompon voient donc le jour dans les pages de Tintin le 19 octobre 1955.

Avec cette série, Franquin se lance dans le gag en une planche, une nouveauté pour lui. Pour seconder Modeste et Pompon, il créé Félix, un cousin représentant de commerce aussi volontaire que maladroit et un trio de neveux toujours prompts à faire des blagues. Plus tard, lorsque Goscinny et Greg signeront les scénarios, ils mettront en scène deux insupportables voisins Dubruit et Ducrin. A partir de cette galerie de personnages bien campée, Franquin va jouer sur le registre plutôt classique de l’humour domestique et s’appliquer à installer sa série au cœur des années 50. Visuellement, il s’attache à retranscrire le modernisme propre à l’après-guerre, notamment en matière de design. Tables, chaises, fauteuils et vases sont fortement inspirés des créateurs italiens de l’époque. Ne souhaitant pas trop s’appuyer sur la documentation, il va rapidement laisser libre cours à son imagination et inventer son propre mobilier. Le résultat est tellement bluffant que des responsables du musée d’art moderne de la ville de Paris vont le solliciter pour commercialiser une série de vases ressemblant à ceux présents dans la maison de Modeste. Le projet restera au stade de l’étude mais il montre à quel point Franquin a révélé à travers cette série d’insoupçonnées qualités de designer.

En 1957, le dessinateur enterre la hache de guerre avec Dupuis et créé pour le magazine Spirou le personnage de Gaston Lagaffe. Problème, son contrat avec Tintin s’étalant sur 5 ans, Franquin doit pendant plusieurs mois mener de front les deux séries. A l’issue de longues négociations, il cède les droits de Modeste et Pompon à Maurice Leblanc en échange de sa liberté. La série, d’abord reprise par Attanasio, passa ensuite entre les mains de nombreux autres dessinateurs (Walli, Loup, Mitteï). Franquin, de son coté, aura réalisé 183 planches entre 1955 et 1959.

Œuvre trop méconnue d’un génial créateur, Modeste et Pompon offre la vision synthétique d’une époque. Rien que pour cela, elle mérite que tout amateur de BD digne de ce nom se penche avec attention sur son cas.

Plus grandes forces de cette série :

• La représentation fidèle et bon enfant d’une époque éprise de légèreté après les années noires de la seconde guerre mondiale.

• La richesse des personnages secondaires qui font tout le sel de la série.

• Les gags signés Goscinny et surtout Greg (on les reconnaît car leur nom apparaît au bas des planches) se révèlent bien meilleurs que ceux imaginés par le seul Franquin. Greg aura réalisé sur cette série près de la moitié des scénarios.

• Le trait de Franquin qui préfigure ce que sera Gaston Lagaffe. A noter par exemple que l’irascible voisin Mr Durcin ressemble trait pour trait à Mr Boulier, le comptable des éditions Dupuis qui n’aura de cesse de réprimander le pauvre Gaston.

Ce qui m’a le plus agacé :

• Le premier album de la série est dans l’ensemble assez moyen. Franquin découvre la mécanique du gag en une planche et le résultat n’est pas toujours à la hauteur. Difficile d’imaginer à la lecture de ces premiers gags qu’il va devenir quelques années plus tard un maître en la matière.

• La reprise de la série par de nombreux autres dessinateurs n’a fait que l’affadir. A tel point qu’aucun des albums « post-Franquin » ne présente à mes yeux un quelconque intérêt.

• Le fait que les albums de Modeste et Pompon signés Franquin ne soient plus commercialisés aujourd’hui. Depuis une intégrale de 120 pages publiée par Le Lombard en 2006 et aujourd’hui épuisée, aucune réédition n’a vu le jour. Scandaleux !

Franquin © Le Lombard 2006

Carte d’identité de la série : Auteurs : André Franquin Date de création : 1955 Nombre d'albums : 4 (série terminée) Éditeur : Le Lombard

Le Prince écorché

Lawrence © Bragelonne 2012

A 10 ans, le prince Jorg d’Ancrath a assisté au massacre de sa mère et de son frère par les troupes d’un ennemi juré de son père. Ce dernier n’a pas daigné laver cet affront dans un bain de sang. Ronger par une insupportable soif de vengeance, Jorg a quitté le château de son enfance et a pris la tête d’un groupe de hors-la-loi semant la terreur et la désolation dans le royaume. A bientôt 14 ans, le prince est décidé à rentrer chez lui pour s’emparer de ce qui lui revient de droit. Mais entre traitrise et magie noire, c’est un chemin pavé d’embûches qui l’attend...

Une éternité que ne je ne m’étais lancé dans une saga de Fantasy. Pour moi, c’est un genre trop enfermé sur lui-même, totalement incapable de se renouveler. Pire encore, je déteste la propension des éditeurs à présenter chaque nouvelle trilogie comme un pur chef d’œuvre. Ce Prince écorché n’échappe pas à la règle : « Un premier tome qui marque les débuts fracassants d’un nouvel auteur » (l’éditeur), « Le meilleur livre que j’ai lu de toute l’année » (Peter V. Brett), « Un page-turner sombre et implacable » (Robin Hobb). Ben voyons... Toutes ces tirades dithyrambiques censées prouver au lecteur blasé que cette fois-ci, promis juré, il a entre les mains un livre incontournable, me sortent par les yeux. Je veux bien reconnaître que pour un premier roman, Mark Lawrence s’en tire plutôt bien. Son univers tient debout et son héros est bien campé, c’est un fait. Pour autant, il reste quelques maladresses. Les dialogues sonnent parfois creux, il y a quelques longueurs et les scènes d’action, un brin mollassonnes, sont loin d’égaler celles de David Gemmel (Waylander).

En fait, je crois que ce qui m’a séduit au départ, c’est le coup de la bande de hors-la-loi sanguinaires. J’ai fait un rapprochement avec les fameux coquillards de Villon et je me suis laisser tenter. Problème, le prince Jorg n’a rien à voir avec le célèbre poète. C’est un sale gosse bouffi d’orgueil et absolument insupportable. Tellement tête à claque que l’on en viendrait presque à souhaiter sa disparition dans les pires tourments. Pour le coup, il s’agit là d’une certaine originalité. Autre originalité, les références à des auteurs comme Platon et Sénèque ou encore à la Bible. Du coup, on en vient à se demander si le monde de Jorg n’est pas une vision du futur où la Terre serait retombée en plein Moyen-âge après une catastrophe nucléaire. Un peu comme dans la planète des singes, quoi.

Le Prince écorché signe donc le début d’une énième épopée de Fantasy tout ce qu’il y a de plus classique. Ce n’est pas en soi un gros problème, pour peu que le lecteur sache d’emblée qu’il ne va pas tomber sur le chef d’œuvre annoncé. Pour ma part, vous l’aurez compris, j’en resterais à ce premier tome.

Le Prince écorché, de Mark Lawrence, Bragelonne, 2012. 382 pages. 21 euros.

Marineman 1 : Une question de vie ou de mer

Churchill © Glénat 2012

Steve Ocean est un océanographe devenu présentateur d’une émission de télé à succès. Mais sous cette chevelure blonde, ce sourire ultra-bright et ce corps bodybuildé se cache un lourd secret. Steve, recueilli enfant sur une plage par un couple de scientifiques, est en effet capable de respirer sous l’eau et de nager à une vitesse phénoménale. Lorsque la vérité éclate au grand jour, le jeune homme doit faire face à un déferlement médiatique sans précédent qui sera le point de départ d’une aventure aussi dangereuse qu’improbable…

Je ne suis pas fan des comics de super héros, mais alors pas du tout. Quand mon libraire m’a proposé de me prêter celui-ci en début de semaine, je n’ai pas osé dire non. Résultat, une lecture divertissante, pas révolutionnaire pour deux sous mais qui reste néanmoins agréable si l’on accepte d’avaler tous les poncifs du genre. Marineman est un peu un hommage aux classiques des années 60 et fait notamment furieusement penser à Superman. Après, qui dit hommage dit tout sauf originalité. De beaux héros musculeux avec leur combi néoprène et leur passé ténébreux, il y en a déjà eu des tonnes. Ici, l’environnement marin représente une petite particularité mais, à y regarder de plus près, les comics ont déjà donné dans le super héros aquatique avec Namor ou Aquaman.

Finalement, c’est ce coté old schhool qui m’a séduit. Loin des personnages torturés qu’il est de bon ton de mettre en scène par les temps qui courent, Ian Churchill a choisi de faire de Marineman un homme simple, humble et profondément gentil (qui a dit un peu neuneu ?). Du coté des méchants, on donne là aussi dans le classique avec un vieux nazi sur le retour et un homme pieuvre à la force colossale tout droit sorti d’une sournoise manipulation génétique.

Graphiquement, je dois reconnaître que ce style typiquement DC/Marvel me laisse de marbre. Ces dessins réalisés à la palette graphique et ses couleurs entièrement assistées par ordinateur se révèlent au final d’une grande froideur et manquent singulièrement d’âme. Mais bon, cela ne nuit en rien à la fluidité de l’ensemble, c’est le principal.

Bref, voila un hommage réussi à l’âge d’or des comics qui ne révolutionne pas le genre mais dont le classicisme un brin suranné séduira à l’évidence plus d’un lecteur.


Marineman T1 : Une question de vie ou de mer de Ian Churchill. Glénat, 2012. 208 pages. 16,95 euros.

Churchill © Glénat 2012

Herakles 1 d’Edouard Cour

Cour © Akileos 2012

A ma connaissance, il n’y a jamais eu d’adaptation des douze travaux d’Hercule en BD. Et même si cette épopée a connu de nombreuses représentations au cours des siècles sur tout type de supports (céramique, sculpture, peinture…), le pari du passage à la bande dessinée n’avait jusqu’alors pas été tenté. Il aura fallu le culot d’un dessinateur néophyte fraîchement sorti de son école de design pour qu’un tel projet voit le jour.

S’écartant de l’iconographie classique, Édouard Cour propose un trait souple et nerveux qui n’est pas sans rappeler par moments celui de Christophe Blain (Isaac le pirate). Respectant à la lettre la chronologie et les événements de cette fresque mythologique incontournable, le jeune auteur distille à chaque chapitre une inventivité graphique remarquable. Son découpage ultra-dynamique alterne avec brio les séquences d’action pure et les passages sans texte au cours desquels le héros se refait une santé entre deux travaux. Ajoutez à cela des couleurs crépusculaires dominées par les tons ocre et des dialogues au niveau de langue beaucoup plus familier que soutenu et vous obtiendrez un album qui sort vraiment de l’ordinaire.

A noter par ailleurs que physiquement, Herakles est loin du bellâtre musculeux représenté par les artistes antiques. Le fils de Zeus s’affiche en effet ici sous les traits d’un balourd hirsute et taciturne toujours plus prompt à l’action qu’à la réflexion.

Ce premier tome regroupe huit travaux. J’avoue que la redécouverte de ces derniers m’a permis de me rendre compte à quel point ma mémoire avait besoin d’être rafraîchie. En dehors du nettoyage des écuries d’Augias et de l’affrontement avec l’hydre de Lerne, il ne me restait en effet plus grand-chose des exploits d’Herakles dont la découverte remonte pour moi au collège.

Une chose est sûre, en associant la retranscription fidèle de l’épopée mythique à une originalité graphique et un ton très modernes, Édouard Cour signe un premier album de haute voltige. Une très belle surprise.           

Herakles T1 d’Edouard Cour. Akileos, 2012. 154 pages. 18,30 euros.

L'avis d'Yvan

Cour © Akileos 2012

Le roi n’a pas sommeil de Cécile Coulon

Coulon © Viviane Hamy 2012

C’est un bled paumé de l’Amérique profonde. Une scierie, un troquet, un shérif, un médecin... Tout se sait, rien ne s’oublie. William Hogan y a acquis le domaine de ses rêves, une vaste propriété où les arbres sont centenaires. De son union parfois tumultueuse avec Mary est né le petit Thomas. Un gamin frêle, sensible, taciturne, ombrageux. A la mort du père, Thomas se retrouve seul avec sa mère. Une vie simple et heureuse. Mais le temps passe, le gamin grandit et les événements vont façonner peu à peu sa personnalité. L’enfant sage va laisser sa place à un jeune adulte en proie aux pires tourments. Il faudra cet accident épouvantable pour que les choses basculent définitivement...

Ce n’est pas pour rien que l’on trouve une citation de Steinbeck en exergue du premier chapitre. L’influence de l’auteur des Raisins de la colère est ici évidente. Difficile d’imaginer que Cécile Coulon n’a que 22 ans tant son écriture exprime déjà une belle maturité. Une grande sobriété, pas de chichi ni d’envolée lyrique, juste quelques métaphores parfaitement troussées. Tout tient dans la force d’incarnation de personnages disséqués jusqu’à l’os. Proche d’une certaine oralité, la prose est celle d’une raconteuse d’histoire qui vous prend par la main et vous demande de vous laisser guider.

Chronique familiale, Le roi n’a pas sommeil est aussi et surtout une ballade tragique. Le malheur de Thomas ne lui appartient pas, il lui tombe dessus sans crier gare. En filigrane, on décèle une volonté de décortiquer un modèle de vie à priori idyllique où la part d’ombre de chacun peut à tout moment venir brouiller les cartes.

Un roman puissant et maîtrisé.

Le roi n’a pas sommeil, de Cécile Coulon. Viviane Hamy, 2012. 142 pages. 17 euros.